Die nächste Spielzeit begann wieder mit Gosch und Fosse und einer Erstaufführung „Da kommt noch wer“ mit Michael Abendroth, Myriam Schröder und Thomas Dannemann, einer Dreiecksgeschichte voller unausgesprochener Konflikte, Ängste und Sehnsüchte.

Ich erinnere mich vor allem an eine für mich total ungewohnte Situation, als Gosch die Probe unterbrach, weil er einen jungen Schauspieler zum Vorsprechen eingeladen hatte, und dann wollte, daß ich mir dieses mitansehen sollte. Ich fand immer schon, daß diese Vorsprechen eine merkwürdige Veranstaltung sind, um herauszufinden, ob ein Schauspieler für eine Rolle und die Zusammenarbeit geeignet ist. Viel ferner vom normalen Probenbetrieb kann etwas kaum sein als dieses einsame Vortanzen vor mehr oder weniger interessierten Menschen. Und so erlebte ich es auch in diesem Fall, wobei ich es als doppelt unangenehm empfand, weil ich das deutliche Gefühl hatte, überhaupt nicht berechtigt zu sein, dem jungen Mann bei seinem Überlebenskampf zuzuschauen. Auf einer leicht erhöhten Tribüne saßen wir zu fünft oder sechst hinter unserem Probentisch und sahen auf den jungen Schauspieler hinab, der da unten in einem wenig hilfreichen Bühnenraum zu beweisen versuchte, daß er ein guter Schauspieler sei, indem er ein einstudiertes Solo vortrug. Ich fand die ganze Situation eher beschämend, nicht für den jungen Mann, der sich redlich mühte, sondern für uns, die alle so taten, als könnten wir seine Möglichkeiten nach diesem Auftritt tatsächlich beurteilen. Ich hütete mich, danach irgendeine Wertung abzugeben. Aber ich fürchte, mehr als ein „wir melden uns“ hat der junge Mann leider nicht aus Düsseldorf mitnehmen dürfen.

Meine nächste Produktion war sogar eine Uraufführung, nämlich von Judith Herzbergs „Simon“, der Fortsetzung der Familiengeschichte, die Hailer schon in „Heftgarn“ auf die Bühne gebracht hatte. Sie schrieb diesen Teil der Familientrilogie extra fürs Düsseldorfer Ensemble und besuchte uns auch wieder auf den Proben.

Ich persönlich verbinde mit Herzberg übrigens vor allem Anderen ein sehr aufregendes Ereignis: Eine Vorstellung im Sommer, „Simon“ oder „Heftgarn“, das weiß ich nicht mehr, ich sitze in leichten Klamotten und mit Clogs erste Reihe Mitte und souffliere den Abend, den ich eigentlich auch auswendig hätte betreuen können, so vertraut waren mir die HerzbergStücke inzwischen. Plötzlich geht die Foyertür vom Kleinen Haus auf und der Regieassistent winkt mir, ich soll herauskommen. Ich schleiche mich also, so unauffällig wie aus der ersten Reihe Mitte möglich, hinaus und erfahre, daß eine Schauspielerin einen Kreislaufkollaps erlitten hat und nicht weiterspielen kann. Ich solle jetzt bitte das Buch in die Hand nehmen und die Rolle auf der Bühne lesen, nach der nächsten Szene werde man das Publikum kurz informieren und dann weitermachen. Ich hatte nicht die Möglichkeit, mich zu drücken, aber auch keine Gelegenheit mich großartig aufzuregen, ich nahm mein Buch und betrat, so wie ich war, die Szene. Und je länger ich auf der Bühne unterwegs war, wo ich mich sonst immer schämte, selbst wenn ich nur ein Tablett hinübertragen mußte, desto mehr Spaß machte es mir. Ich hatte zwar das Buch in der Hand, aber da ich Text und Ablauf ohnehin auswendig konnte, schaute ich immer weniger hinein und spielte einfach, so gut ich konnte, mit. Hailer saß derweil bei der ausgefallenen Schauspielerin in der Garderobe und sagte später zu mir: „Hätte sie nicht da neben mir gelegen, ich hätte gedacht, ich höre sie auf der Bühne, so genau hast Du Sprachmelodie und Duktus getroffen.“ In der anschließenden Publikumsdiskussion, zu der Hailer mich mitschleppte, meinte ein Zuschauer, das Haus müsse sich ja keine Sorgen machen, wenn immer eine solche Zweitbesetzung mit am Start sei. Ich war sehr adrenalingeladen und sehr stolz und heilfroh, daß ich nicht schon morgens gewußt hatte, daß das am Abend auf mich zukommt. Am nächsten Tag bekam ich einen dicken Blumenstrauß von der Intendantin mit einem Dankeschön dafür, daß ich die Vorstellung gerettet hatte. Ich war überrascht.

Mit dem Stück „Simon“ wurden wir dann auch nach Amsterdam eingeladen, was wieder ein Gastspiel war wie ein Familienausflug und eine nette Unterbrechung des Vorstellungsalltags.

Nach Hailer und Herzberg hatte ich es erneut mit Bauersima zu tun und einer weiteren Uraufführung, seinem Stück „Tatoo“, einer bitterbösen Satire auf den skrupellosen Kunstbetrieb, die zwar nicht ganz so einschlug wie „norway.today“, aber dennoch zu Bauersimas erfolgreichsten Stücken gehören sollte.

Die Intendantin schickte sich derweil an, ihr Antikenprojekt „Mania Thebaia“ umzusetzen. Vier antike Dramen, DieBakchen, Antigone, KönigÖdipus, SiebenGegenTheben, die in einer zur Kunstinstallation ausgebauten alten Fabrikhalle in Düsseldorf-Lierenfeld gespielt wurden. Inszeniert wurden die vier Abende von der Chefin selber, einem Griechen, einem Japaner und einem Russen. Die vom Griechen Theo Terzopoulos umgesetzten „Bakchen“ fuhren dann auch im Sommer auf Gastspiel nach Griechenland und wurden dort im Antiken Theater von Epidaurus gespielt. Natürlich ein wirklich erhebendes Erlebnis für die Mitwirkenden. Das gigantomanische Unternehmen galt zwar als internationaler Erfolg, riß aber auch ein ebenso gigantisches Loch in die DDorfer Finanzen, welches sich im Laufe der folgenden Jahre zu einer Finanzkrise auswachsen sollte, die uns am Ende beinahe den Garaus gemacht hätte. Doch dazu dann später mehr.

Zum Ende der Spielzeit ging es für mich schließlich noch in die Vorproben mit Gosch. Kleists „Prinz von Homburg“ stand an mit Devid Striesow in der Titelrolle.

Doch die Premiere eröffnete schon die nächste Saison.

2000/2001

Das Jahrtausend hatte ohne das prophezeite Datenchaos gewechselt.

Im Theater wechselte im Sommer die Spielzeit.

Und meine neue begann diesmal mit Gosch und „Der Name“ von Jon Fosse.

Fosse mit seinen fast sprachlosen Stücken voller langer Pausen und quälender Stillen war ein Autor wie für Gosch gemacht. Gosch inszenierte diese deutsche Erstaufführung mit Birgit Stöger und Christoph Luser in den Hauptrollen und es gelang ihm, dem Schweigen im Stück genausoviel Spannung abzuringen wie den wenigen banalen Alltagssätzen. Zwischen dem Gesagten und vor allem dem Ungesagten entstand das Drama. Die Inszenierung war der Startschuß für einen regelrechten FosseBoom auf deutschen Bühnen.

Das Paar Stöger/Luser blieb mir auch in meinem zweiten Stück erhalten. Dazu kam ein tschechischer Autor und Regisseur, Igor Bauersima, der für Düsseldorf ein Stück nach einer wahren Begebenheit geschrieben hatte: „norway.today“

Tatsächlich hatten sich Anfang 2000 ein norwegischer Mitdreißiger und eine minderjährige Österreicherin in einem Chatroom zum gemeinsamen Selbstmord verabredet und waren miteinander vom inzwischen instabekannten Preikestolen gesprungen.

Bei Bauersima treffen sich zwei Jugendliche, um nach einer gemeinsamen Nacht auf dem Felsen gemeinsam in den Tod zu gehen. Sie haben ein Zelt und eine Handkamera dabei und im Verlauf der Nacht entsteht eine zarte Liebesbeziehung. Das Stück endet unmittelbar vor dem Sprung und läßt so die Hoffnung auf einen anderen Ausgang offen. Stöger und Luser waren die ideale Besetzung für diese vom Autor selbst inszenierte Uraufführung und der Abend wurde ein rauschender Erfolg. Er gewann bei den Mühlheimer Theatertagen, Bauersima wurde NachwuchsAutor des Jahres, Stöger und Luser erhielten Förderpreise von Stadt und Land, das Stück wurde nicht nur im deutschsprachigen Raum rauf und runter gespielt und wir durften mit unserem Abend auf Reisen gehen, u.a. nach Prag und Riga. Es sollten noch einige BauersimaStücke in Düsseldorf folgen, doch so erfolgreich wurde keines mehr.

Die Zusammenarbeit mit Bauersima und den beiden jungen Schauspielern machte einen Riesenspaß und entsprechend waren auch die gemeinsamen Reisen.

Ich erinnere mich aber auch an eine Vorstellung, zu der beide Darsteller erst sehr kurzfristig angereist waren und deshalb die übliche Vorbereitung auf den Abend nicht hatten durchziehen können. Normalerweise wußten beide ihren Text inzwischen im Schlaf, aber an diesem Abend begann die Vorstellung direkt mit ein paar Hängern. Als Luser zum wiederholten Mal nachfragte, gab ich ihm einfach das Buch in die Hand. er las tatsächlich den nächsten Abschnitt ab und ab da war der Text wieder im Kopf. Ich bekam mein Buch zurück und alles lief wie am Schnürchen. Das Publikum hielt den Vorgang, wie meistens, wenn das Soufflieren so offen passiert, ohnehin für inszeniert.

Als dritte Produktion wartete nun wieder Hailer und diesmal mit dem Stück einer niederländischen Autorin, Judith Herzberg, die für den Regisseur und unsere gemeinsame Arbeit in den nächsten Jahren entscheidend werden sollte.

Judith Herzberg, selber Holocaustüberlebende, beschreibt in „Heftgarn“ eine jüdische Familie, die gekennzeichnet ist von den erlittenen Traumata und der Unmöglichkeit, sie offen zu kommunizieren. Das tut Herzberg bei aller Schwere der Problematik mit viel jüdischem Witz. Hailer und sein Dramaturg Michael Volk hatten einen sehr engen persönlichen Kontakt zu Judith Herzberg aufgebaut, sie besuchte die Proben und war bei allen sich ergebenden Fragen gerne bereit, Hilfestellung zu leisten. Aus diesem Kontakt sollte eine jahrelange Zusammenarbeit entstehen, die zu Erst-und Uraufführungen ihrer Stücke am Düsseldorfer Haus unter Hailers Regie führen würde.

Ich glaube, es war bei dieser Aufführung, bin mir aber nicht ganz sicher, es könnte auch beim nachfolgenden „Simon“ gewesen sein, als es beinahe zu einem Unglück im Kleinen Haus gekommen wäre. Eigentlich sollte nach dem ersten Akt eine bühnenhohe Wand, die die Spielfläche bis dahin auf einen schmalen Steg ganz vorne begrenzt hatte, nach hinten auf den Bühnenboden fallen und so für den weiteren Verlauf die ganze Bühne freigeben. In einer Vorstellung aber war die Wand falsch angebracht worden und ausgelöst fiel sie nach vorne Richtung Zuschauerraum. Ich, erste Reihe Mitte, sprang auf und streckte die Arme aus und Gottseidank hielten nicht alle Zuschauer um mich herum das Geschehen für einen Teil der Inszenierung, einige Männer standen spontan mit mir auf und so hielten wir gemeinsam die schwere Wand davon ab, auf die ersten Zuschauerreihen zu knallen. Die Aufregung war groß, vor allem bei der Technik, die sich den dummen Fehler nicht erklären konnte. Aber immerhin war nichts weiter passiert.

Zum Schluß der Spielzeit wartete nun noch ein echter Klopper auf mich: „Hamlet“ in der Regie von Jürgen Gosch, mit Devid Striesow in der Titelrolle.

Kernstück des Bühnenbilds von Schütz war eine bühnenbreite kniehohe Mauer aus roten Ziegelsteinen, die durch die Drehung der Bühne unterschiedliche Räume markieren konnte. Wir probten allerdings in Oberbilk, wo es, man erinnert sich vielleicht, keine Drehbühne gab. Also ließ Gosch jeweils das gesamte anwesende Ensemble antreten, um die Mauer händisch ab- und anders wieder aufzubauen, wenn ein Szenenwechsel angesagt war. Ich glaube, es hat ihm diebischen Spaß gemacht, uns so täglich fleißige Maurerketten bilden zu sehen.

Weil man weder auf historische Kostüme zurückgreifen, noch in moderner Kleidung spielen lassen wollte, kamen Schütz und Gosch auf die Idee, alle in bodenlange Strickkleider zu stecken. Außer den Geist von Hamlets Vater, der trat splitternackt in Restrüstung auf. Die Kleider hatten alle unterschiedliche Muster und Farben und wurden eigens in Italien für uns gefertigt. Die Männer mußten unter dem Strick noch unbequeme Brustharnische tragen, weil Gosch fand, daß das ihnen mehr Haltung und Festigkeit verleihe. Die Textfassung stammte von Gosch selber und machte die Shakespearsche Sprache schlanker und heutiger, was auch Striesows jugendlicher Spielweise entgegen kam. Besonders er wurde dann auch für diesen Abend gefeiert.

Ich hatte eine arbeits-und wahrlich abwechslungsreiche Spielzeit hinter mich gebracht.

Die Intendantin hatte für fünf weitere Jahre verlängert.

Nach dem Sommer konnte es weiter gehen.