Mein erstes Stück in der zweiten Spielzeit unter dem neuen Intendanten Volker Canaris war ein Einpersonenstück im Kleinen Haus, wo Boris Mattern Kafkas „Bericht für eine Akademie“ gab. Boris war ein Schauspieler der alten Schule, der sich schwer damit tat, wenn die Souffleuse nicht im Kasten, sondern in der ersten Reihe saß, erst recht im Kleinen Haus, wo er befürchtete, daß im unwahrscheinlichen Fall eines Hängers auch noch die letzte Reihe das Einsagen mitbekommen würde. Also baute mir die Technik einen Kasten unter den Bühnenboden.

Ich habe in meinen ersten Souffleusenjahren ein paar Mal im Kasten sitzen dürfen und habe es immer geliebt. Man besteigt ihn von der Unterbühne aus über eine steile Treppe oder Leiter, hat darin einen Sitz, ein Tischchen und eine funzelige Lampe, die nicht auf den Bühnenboden hinausscheint, und ist vor den Blicken, Fragen und sonstigen Zumutungen der Zuschauer komplett geschützt. Ein Schauspieler, der Hilfe benötigt, kann sich unauffällig näherspielen, und weil man dann tatsächlich meistens flüstern kann, muß man nicht in Sekundenbruchteilen überlegen, was jetzt peinlicher ist, das Einhelfen oder die Hängerpause. Ich habe es geliebt! Aber den Bühnenbildnern war der Kasten, obwohl in Düsseldorf nicht einmal eine dekorative Muschel, sondern wirklich nur ein flaches schwarzes Rechteck, ein immerwährender Dorn im Auge und so wanderten wir armen Souffleusen zunächst an die unmöglichsten Plätze im Proszenium oder auf der Seitenbühne, von wo aus man oft nicht mal die halbe Bühne überschauen konnte und im Falle eines ausbleibenden Textes nicht wußte, ob der Kollege gerade verzweifelt hing, sich nur den Schnürsenkel richtete oder gar überhaupt nicht aufgetreten war. Irgendwann setzte sich dann doch die erste Reihe Mitte durch, weil sie zwar vielleicht nicht der diskreteste Einsageort war, aber immerhin Übersicht und die Möglichkeit zum Blick- und sonstigen Kontakt bot.

Für den Monolog des Affen aber bekam ich einen Kasten gebaut. Und Boris war es zufrieden. Nach der zweiten oder dritten Probe nahm er mich beiseite und sagte:“Du blätterst ja sogar lautlos um, das hab ich auch noch nie erlebt.“ Wieder einer jener Momente, wo ich das Gefühl haben durfte, ich sei nicht ganz falsch in meinem Beruf.

Mit dem Monolog wurden wir auch zu einem ganz besonderen Abstecher eingeladen, nämlich ins Affenhaus des Krefelder Zoos. Auf Tondokumenten dieses Abends kann man hören, wie die echten Affen akustisch mit dem Darsteller interagieren. Boris und ich waren danach sogar noch beim Zoodirektor auf ein Glas Wein eingeladen und ich genoß den ersten Prosecco meines Lebens. War lecker.

Das Affenhaus mit fast allen seinen Insassen sollte fast dreißig Jahre später in der Silvesternacht 2019/20 niederbrennen, nachdem eine Himmelslaterne tragischerweise auf dem Dach gelandet war. Nur zwei Schimpansen überlebten, die sich verletzt in einen geschützten Bereich hatten retten können.

Vom Monolog ging es nahtlos in meine erste Arbeit mit dem zweiten Hausregisseur, Klaus Weise, der im Großen Haus „Liliom“ auf die Bühne brachte. Und in diesem Fall wurde wieder meine Spielverpflichtung ausgenutzt und ich durfte einen der beiden Schutzengel geben, die Liliom in den Himmel und zurück begleiten. Der Regieassistent, ungefähr genauso groß und schlank wie ich, spielte den zweiten Engel, uns wurde beiden ein dreiteiliger Herrenanzug maßgeschneidert (beim Maßnehmen mokierte sich der Herrenschneider zu meinem Leidwesen ausgiebig darüber, daß Frauen immer so schief gebaut seien) und die Kostümbildnerin zog uns zu allem Überfluß auch noch Kothurnen an, die sie irgendwo im Fundus ausgegraben hatte. Als hätte ich auf der Bühne nicht schon genug mit meinen wackligen Knien zu tun. Es dauerte viele Vorstellungen, bis der Regenschirm, den ich in einer Szene über Liliom und mich zu halten hatte, nicht mehr leise zitterte und meine Knie auch nicht, irgendwann machte das Ganze sogar Spaß.

In dieser Produktion lernte ich auch meinen Theatersohn Bastian Trost kennen, heute längst ein gestandener Schauspieler von auch schon über 50 Jahren, der damals die himmlischen Szenen mit seinem zauberhaften Harfenspiel begleitete. Vier Jahre später sah ich ihn als 17jährigen Romeo in der schönsten und anrührendsten „Romeo und Julia“Inszenierung meines Lebens, die die damals noch weitgehend unbekannte Karin Beier in der KolbHalle in Köln mit ihrer Studententheatergruppe auf die Beine gestellt hatte. Ein absolut zauberhafter Abend, der vor allem von der verletzlichen Jugendlichkeit der beiden Hauptdarsteller lebte. Hätte ich nicht, als Karin Beier im selben Jahr als Regieassistentin zu uns kam, sowieso schon auf den allerersten Blick erkannt, daß gegen ihre Karriere kein Kraut gewachsen sein würde – nachdem ich diese Inszenierung gesehen hatte, wäre ohnehin kein Zweifel mehr daran gewesen.

Doch zurück zum Liliom. Weil ich ja zwischen Mitmimen und Soufflieren wechseln mußte, ging der Platz in der ersten Reihe diesmal nicht und ich saß stattdessen wieder im linken Proszenium. In der Premiere hatte Manuela Alphons, die die Frau Muskat spielte, einen fulminanten Hänger, genau am gegenüberliegenden Proszenium, bestimmt 20 Meter entfernt. Sie schritt, langsam und majestätisch, über die ganze Bühnenbreite bis in meine Nähe, so daß ich den fehlenden Satz tatsächlich flüsternd mitteilen konnte, und dann genauso langsam und majestätisch wieder zurück, während ich betete, sie möge den Text unterwegs nicht vergessen. Wieder drüben angekommen, sagte sie den Satz, als sei nichts gewesen, und niemand im Publikum konnte den Moment für etwas Anderes als inszeniert halten.

Mit zum Stückensemble gehörte auch Mariechen Alex, die Grande Dame des Theaters, damals bereits 92 Jahre alt, seit Anfang des Jahrhunderts am Düsseldorfer Schauspielhaus engagiert, in den 20er Jahren alleinerziehende Mutter von Zwillingen, eine wunderbare alte Dame, die fast bis zu ihrem Tod 1992 noch auf der Bühne stand und weder von ihrem täglichen Altbier, noch von ihren Zigaretten ließ. Einmal auf der Probe sagte sie aus dem Nichts heraus zu mir:“Du bist eine sehr gute Souffleuse!“

Wenn das über 70 Jahre Theatererfahrung zu Dir sagen, dann ist das der ultimativee Ritterschlag .

Horst Schönemann, unser Gast aus Dresden, der seinerzeit den „Karlos“ inszeniert hatte, kehrte noch einmal zurück und brachte nun Oscar Wildes „Lady Windermeres Fächer“ auf die Bühne. Ich durfte wieder dabei sein und sogar in den Souffleurkasten im Großen Haus abtauchen. So hatte es Frau Alphons als Lady auch viel leichter, sich im Notfall elegant an mich heranzuspielen.

Nach dem Motto, bloß keine Pausen lassen, folgte dann wieder ein Monolog im Kleinen Haus, wo mein eigentlich so gutbürgerlicher Liliom Michael Greiling in „Der Ledermann“ in die Rolle des Autors Eppendorfer schlüpfte, der seine skandalöse Vergangenheit als verurteilter Raubmörder und schreibende Kiezgröße in dem Text verarbeitet hatte.

Und zuguterletzt traf der Regisseur Fred Berndt bei seiner Arbeit an John Osbornes „Der Entertainer“ mit dem fernsehbekannten Uwe Friedrichsen in der Titelrolle auf meine besagte Kollegin, die binnen kürzester Probenzeit ein rotes Tuch für ihn und den Hauptdarsteller werden sollte. Also war es wieder nichts mit ein bißchen probenfreier Zeit, sondern ich stieg in die dritte Probenwoche ein und kam erfreulicherweise mit beiden Herren ganz gut aus.

Besonders in Erinnerung geblieben ist mir ein Probenmoment, der viel darüber aussagt, wie Schauspieler auf der Bühne manchmal so ticken: Wir probten eine Szene, in der Uwe Friedrichsen parallel zum Text Eiswürfel aus dem Kühlschrank auf den Tisch räumen sollte. Der Kühlschrank war während der Probe noch leer und Friedrichsen tat also nur so, als nähme er etwas heraus und stelle es auf dem Tisch ab. Der Regisseur unterbrach und korrigierte irgendwas und während Friedrichsen ihm zuhörte, räumte er die imaginären Eiswürfel wieder vom Tisch in den Kühlschrank, ohne überhaupt zu bemerken, was er da tat.

Auch das war eine Vorstellung, in der ich aus dem Kasten heraus soufflieren durfte. Eine der letzten. Man hatte ihn allerdings ein bißchen nach links aus der Mitte in den Orchestergraben hineingebaut, damit der Entertainer für seine Programmeinlagen freie Bühnenmitte hatte. Danach sollte es viele, viele Jahre dauern, bis man das inzwischen schon völlig vergessene Teil noch einmal für mich wiederbelebte.

Es war mein erster Intendantenwechsel und dem sollten ja noch einige folgen. Aber im Grunde ist der Vorgang immer mehr oder weniger derselbe und er ist nicht wirklich schön.

Der alte Intendant geht und nimmt sein Leitungsteam mit, seine Dramaturgen und Regisseure, auch den einen oder anderen Schauspieler. Und der Neue behält in der Regel zwar das Fußvolk wie uns Souffleusen und Inspizienten und die Kollegen aus den Gewerken, aber ansonsten hat er ein komplett anderes Theater im Gepäck.

Man selber sitzt in „seinem“ Haus und sieht die einen davon gehen und die anderen einziehen und es fühlt sich ein bißchen so an, als würden Fremde sich im Wohnzimmer breit machen und behaupten, das gehöre jetzt ihnen.

Ein, zwei Spielzeiten braucht es immer, bis die Gebliebenen und die Gekommenen sich aneinander gewöhnt haben, vertrauensvoll und vorurteilsfrei miteinander arbeiten können. Und ungefähr genauso lange braucht es, bis das Publikum sich gewöhnt hat.

Vor allem wenn die vorausgegangene Intendanz eine erfolgreiche war und nicht nur das Feuilleton, sondern auch das heimische Publikum von sich überzeugt und in seine Arbeit verliebt gemacht hat, sieht das Publikum den Intendanten und vor allem das Ensemble mit Wehmut, ja mit echtem Trennungsschmerz und Liebeskummer scheiden. Und ist demzufolge dem Neuen und seiner Mannschaft gegenüber zunächst skeptisch, wenn nicht gar feindselig eingestellt. Will man doch erstmal sehen, ob der das auch so gut kann, ob die Schauspieler auch so grandios aufspielen, ob überhaupt jemand dabei ist, den man ins Herz schließen möchte.

Volker Canarais hatte es also nicht leicht. Und daß einer seiner zwei Hausregisseure gleich die Eröffnungspremiere in den Sand setzte, half auch eher nicht. Während die „Roten Nasen“ Publikum und Kritik also eher verärgerten und gleichzeitig der andere Hausregisseur eine „Nora“ ins Kleine Haus inszenierte, die mit über 100 ausverkauften Vorstellungen ausgesprochen erfolgreich werden sollte, hatte ich es mit einem distopischen Stück des zeitgenössischen Dramatikers Harald Müller zu tun, das in einem atomar verseuchten Deutschland spielte. Ein Thema, das nach der TschernobylKatastrophe natürlich mächtig Fahrt aufgenommen hatte. Die Regie machte ein sonst eher beim Fernsehen beschäftigter Kollege, die Hauptrolle spielte der sehr junge und schauspielerisch sehr unerfahrene Ingolf Lück, der aber seine Defizite mit jugendlicher Chuzpe ganz gut wettzumachen verstand. Ich erinnere mich nicht an viel vom Stück, aber an eine angenehme Probenzeit schon. Der neue Intendant war mir auch ganz sympatisch, soweit ich ihn schon mitbekommen hatte. Und als Jérôme Savary im Großen Haus mit Ute Lemper in der Hauptrolle ein finanziell ruinöses, aber sensationell erfolgreiches CABARET hinzauberte, arbeitete ich ein erstes Mal mit dem zu Beginn so grandios gescheiterten Hausregisseur zusammen, sowie mit dem aus Film und Fernsehen bekannten Ernst Jacobi und zwar an Brechts GALILEO GALILEI. Es war eine schöne Arbeit, nicht nur weil ich mich in einen Schweizer Schauspielkollegen verliebte, was im Nachhinein auch nur eine semigute Geschichte werden sollte, aber mich natürlich zunächst mal vollumfänglich mit der neuen Intendanz versöhnte, und nicht nur, weil wir neben der Arbeit auch gruppendynamisch wertvolle Kochevents veranstalteten, ich mochte auch den Regisseur und seine Arbeitsweise und freute mich in der Folgezeit immer, wenn es uns wieder zusammendisponierte.

Unter jedem Intendanten und jeder Intendantin gab es immer ein, zwei, drei Regisseure, mit denen ich besonders häufig und besonders gerne gearbeitet habe. Bei Canaris sollten das Walter Adler, Werner Schroeter und Mouchtar-Samurai sein. Und Fred Berndt, der sich sogar in seinen Vertrag schreiben ließ, daß ich ihm als Souffleuse garantiert wurde, was aber weniger damit zu tun hatte, daß ich nun über Nacht zur Superflüsterin mutiert wäre, sondern mehr damit, daß er eine Kollegin damit unbedingt vermeiden wollte.

Manchmal können sich zwei Menschen einfach nicht im selben Raum bewegen, ohne daß tiefe Abneigung entsteht. Erst recht natürlich wenn man sechs oder acht Wochen oder noch länger jeden Tag viele Stunden miteinander auf relativ kleinen Probebühnen hockt. Manchmal reicht eine Stimme oder ein Lachen oder schon die Art, in der Stille zu atmen, und die Zusammenarbeit ist eine Qual, ohne daß einer der Beteiligten wirklich etwas dafür könnte. Und dann gibt es natürlich auch noch die Regisseure, die immer einen brauchen, den sie quälen können, um sich auf den Proben gut und entspannt zu fühlen. Auch da eignen sich als Opfer neben den Regieassistenten die Souffleusen besonders gut, weil sie immer zur Hand sind und man ihnen, wenn man nur will, nahezu alles, was sie tun, ankreiden kann: Daß sie soufflieren, daß sie nicht soufflieren, daß sie zu laut sind oder zu leise, zu schnell oder zu langsam, daß sie überhaupt leben und anwesend sind. Ich hatte das Gottseidank nur einmal und da schwebte ich privat gerade dermaßen auf Wolke Sieben und war außerdem schon mit soviel Berufserfahrung gesegnet, daß das Bashing völlig an mir abtropfte. Der Regisseur ließ darum auch alsbald von mir ab, besetzte eine Rolle im Stück kurzerhand um und ließ sie nun von seiner Frau spielen. Und quälte diese. Da das aber Bestandteil ihres Beziehungsentwurfs zu sein schien, hatten damit unterm Strich alle gewonnen. Nur der Produktion nutzte es wenig, die gelang trotzdem nicht sonderlich.

Aber ich greife vor.

Als dritte Produktion dieser ersten Spielzeit durfte ich noch bei Walter Adler die „Komödie im Dunkeln“ soufflieren, in der netterweise auch mein Schweizer mitspielte und die auf der hübschen Idee basiert, daß sie während eines Stromausfalls spielt und die Schauspieler also so mimen müssen, als wären sie im Dunkeln, während der Zuschauer natürlich alles im Hellen verfolgen kann. Der Plot war lustiger als die Umsetzung, aber das Publikum und wir hatten trotzdem unseren Spaß.

Zum Ende der Spielzeit folgte dann noch eine „Stella“ mit Wolf-Dietrich Sprenger, der immer von mir sagte, ich sei sein eigentlicher Dramaturg. Tatsächlich hatte ich mir im Laufe der Zeit immer selbstverständlicher angewöhnt, auch zu dramaturgischen oder sonstwie inhaltlichen Fragen meinen Senf dazuzugeben. Und solange ich im Auge behielt, ob die Situation gerade dazu geeignet war, das zu tun, oder ob es besser war, mit der eigenen Meinung hinter dem Berg zuhalten, ob es hilfreich sein könnte, sich an der Diskussion zu beteiligen, oder ob man sich besser mit der eigenen Idee in einem stillen Moment an den wirklichen Dramaturgen oder gleich an den Schauspieler wandte, wurde diese Art von Mitarbeit erstaunlich gut aufgenommen.

Die zweite Spielzeit stand ins Haus.

Sie sollte mir ganze fünf Stücke und ein halbes Jahr lang nicht einen freien Tag bescheren.

UND das in vieler Hinsicht ganz besondere Erlebnis Werner Schroeter.